[心得] 表演/音樂會/演唱會攝影小心得

發現好一段時間沒靜下來寫作，三級警戒也沒辦法看表演，
就梳理一下之前接觸音樂會攝影的一些心得跟小小教學。

有圖好閱讀 Medium 版：
https://bit.ly/3m5HBDv

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音樂會表演是我最常接到的委託類型之一，雖然沒拍過小巨蛋，
不過從大小河岸到 The Wall 等，各類型 Live House 還算熟悉，
在國家音樂廳前後台來回穿梭也不會迷路。
跟音樂人混熟後三不五時也會有人問，倒底怎麼拍出 Stunning 的表演照片？
不同的攝影師肯定有不同的策略，
今天就稍微整理一些自己會特別注意項目跟大家分享一下。

# 現場比你想像的更明亮，M 模式是你的好朋友

先來破除迷信，我不認為相機需要有良好的低光拍攝性能才適合帶去拍攝表演。
因為就算是在夜店的表演，為了能讓觀眾能舒適的觀賞表演者，
大部分的時候都會有面光照在表演者上。
此時如果不停地把 ISO 拉高、光圈開大，照片反而容易有過曝的危險。
由於面光亮度不太會改變，M 模式就是你的好朋友。
你只要找到讓表演者的臉部、身體、或樂器在面光曝光正常的設定，
幾乎就能用同一套參數加減微調拍完整場。
我知道你會問，那面光關掉的時候怎麼辦？
那種時候本來就是燈光師想製造黑暗點的氛圍，就順著他幫你營造的氛圍拍吧！

我在拍攝時相機設定的流程大概是這樣的：

1. 決定光圈
因為大多數時候我不喜歡表演照片有著大量的散景，
所以會避免使用 F1.4、F2 之類的光圈進行拍攝。
同時我很了解自己攜帶的鏡頭在不同光圈下畫質的表現，要決定光圈時也會參考這點。

2. 決定快門
我會問自己想要多少動態模糊？以這個答案來決定快門速度。
而且一定不能比安全快門慢。

3. 決定 ISO
以表演者面光下的亮度為主來調整 ISO，不需要怕拉高。
現代相機在高 ISO 下的表現都很好，M43 相機也夠用。
絕對要避免光圈先決、快門先決、自動 ISO 等功能，
因為在燈光不停改變的表演現場，相機的自動曝光絕對不可靠。

# 構圖、瞬間都要對

構圖我相信大家應該都已經很熟悉，三分法、引導線、嘎嘎嗚拉拉，
如果是專業的表演場地往往背景都會設計的不錯，燈光也會讓主角與背景有充分的對比。此時只要把表演者放在畫面上任何一個平衡的位置皆可。
如果有疑慮，就退回三分法的交叉線上，進可攻、退可守。

我比較少聽到被討論的是按快門的時機，但多年來拍攝的經驗告訴我。
最好看的一瞬間，很難靠連拍來取得。（真的！）
當你想捕捉的是最大張力瞬間，即使是 10、20 fps 都還是有可能差那麼一點點。
印象很深刻的是有次在影片中看到大師 Albert Watson 在棚內拍攝舞者跳躍的動作，
舞者每次跳起來他都只會按一下快門。
這樣能避免最美的畫面流失在連拍的兩次快門之間。

以音樂演唱來說，除了「最用力」的瞬間以外，還有很多其他值得瞄準的畫面。
像是歌手拉長音過程中從緊實變為放鬆之後的畫面、
鼓手過門最後一個鼓點打下去後的瞬間、歌曲的結束畫面。
有意識的瞄準這些畫面，拍到的機率才會大大增加。

# 培養懂聽的自動駕駛模式，耳朵比眼睛更可靠

除了練習快速調整相機的設定、找到平衡又有張力的構圖之外，
最終能夠在演唱會攝影、表演攝影這種類型能夠穩定輸出的關鍵，
還是你對表演了解多少。
我在高中時期參加合唱團後算是正式開始了自己的表演生涯，
大學組了一個半職業阿卡貝拉團，後來自己製作過專輯，拍過不少 MV，也入圍過金曲獎。雖然沒做出什麼冠軍單曲，不過這些經歷都是在拍攝現場最能協助我的養分。

你可以學著彈吉他、找個小錄音室體驗一下製作單曲的感受、
報名個業餘戲劇般，這樣的經驗能夠幫助你在表演現場對表演者更加感同身受。
平常深入、有意識地用力聆聽音樂，不停增加自己欣賞的解析度，
慢慢的在表演發生的當下，你的注意力就能夠從構圖、
尋找畫面這些事情上慢慢轉移到「沈浸在音樂裡憑感覺按下快門」。
隨著拍攝的經驗變多，每場表演按我快門的次數反而減少，
不過最後挑出來的照片品質還是有穩定提升。（應該吧？）

#最後：感謝這場體驗

「台上一分鐘，台下十年功」這句話絕對是真的，
要能以職業表演者的身份站上舞台是一件非常困難的事情。
剛接觸音樂會攝影時，有次演唱會結束就迫不及待修圖發表作品。
結果當天的主唱傳了封訊息給我，她說團員們都非常喜歡我的照片，
但是也提醒我在發布前應該要徵詢一下被攝者的同意，
這樣會讓整個拍攝體驗大加分。

從那時開始我也養成了抱持感恩的心先跟大家打好招呼的習慣。
一開始可能會覺得尷尬害羞，不過至今遇到的音樂人都非常友善，
從未有人反對我將照片貼在作品集。

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